No es posible reducir la trayectoria de un artista a unas pocas obras, pero esas piezas permiten asomarse a su estética, sus ideas y su sensibilidad. A continuación proponemos una selección de trabajos de Julio Le Parc, el destacado artista argentino nacido en Mendoza y fallecido este sábado en París.
La lista se basa en una selección que el propio artista detalló en una entrevista de 2023 e incluye dispositivos participativos de los años sesenta, pinturas sistemáticas de los setenta y también instalaciones de denuncia política y esculturas monumentales del siglo XXI. En todas ellas se repite un principio central: la obra requiere la presencia activa del espectador para completarse.
1. Relieve blanco sobre negro (1960)
Relieve blanco sobre negro es uno de los trabajos tempranos en los que Le Parc traslada sus investigaciones sobre superficie a la tridimensionalidad. A partir de gouaches en blanco, negro y grises desarrollados desde fines de los cincuenta, la obra introduce elementos salientes y rehundidos que, al contrastar blanco y negro, generan variaciones de luz y sombra según el punto de vista del observador.
La decisión de prescindir del color y de organizar las tramas de forma casi analítica responde a su interés por someter la percepción a procedimientos sistemáticos, mostrando que lo visible depende de condiciones físicas más que de una expresividad subjetiva. Estas piezas se exhibieron en sus primeras muestras en París y en eventos que anunciaron el auge del arte cinético; décadas después, retrospectivas como la del Palais de Tokyo (2013) y Form into Action en Miami (2016) retomaron estos relieves para vincularlos con sus instalaciones lumínicas posteriores.
2. Inestabilidad. Proposición arquitectural (1963-1964)
La idea de “inestabilidad” fue un eje del trabajo del GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) a principios de los años sesenta. En 1963 el colectivo presentó L’instabilité – le labyrinthe, un proyecto de escala arquitectónica que invitaba al público a recorrer experiencias visuales y espaciales.
Inestabilidad. Proposición arquitectural está formada por ocho placas curvas de aluminio pulido dispuestas en filas equidistantes sobre un fondo negro, creando un plano ondulante que reacciona a la luz y al movimiento de los visitantes. La obra integra la colección del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y fue parte de la exposición La inestabilidad (1964) que el GRAV presentó también en París y Río de Janeiro. Fue restaurada en 2019 para la muestra Julio Le Parc. Transición Buenos Aires-París (1955-1959) en el MNBA y reconocida por la Fundación Konex como obra ejemplar del patrimonio argentino.
3. Seis espejos dobles (1966)
Perteneciente a la serie Sala de juegos, Seis espejos dobles consiste en un conjunto de espejos articulados que parten de un reflejo “normal” para fraccionarlo y multiplicarlo progresivamente. La pieza incorpora la realidad circundante —el cuerpo del visitante, el espacio y el movimiento—, de modo que la imagen resulta siempre variable y nunca fija.
Trabajos próximos, como 4 doubles miroirs (1966), forman parte de la Daros Latinamerica Collection y fueron exhibidos en Casa Daros en Río de Janeiro (2013-2014). Dispositivos similares se incluyeron en la gran retrospectiva en el Palais de Tokyo (2013) y en la muestra en la Serpentine Sackler Gallery de Londres (2014), donde se destacó cómo Le Parc transforma el espacio mediante la luz y hace del visitante un elemento activo de la obra.
4. Luz continua con 49 cilindros, velocidad rápida (1967)
Continuel-lumière avec 49 cylindres vitesse rapide es un ejemplo directo del arte lumino‐cinético. La estructura, realizada en madera pintada y acero inoxidable con motores y fuentes de luz, mide aproximadamente 203 x 202,5 x 20 cm y dispone de 49 cilindros metálicos pulidos que giran a gran velocidad frente a la iluminación, proyectando reflejos y sombras en el entorno.
La pieza pertenece a la Daros Latinamerica Collection y estuvo expuesta en Casa Daros (2013-2014). Sus antecedentes se remontan a fines de los cincuenta, cuando Le Parc desarrolló cajas de luz y prototipos con plexiglás y motor. En 1966 presentó su primera muestra individual en la galería Howard Wise de Nueva York y, en años posteriores, trabajos de esta serie se recrearon en instituciones como el Met Breuer, que documentó su papel pionero en el cinetismo internacional.
5. Frappez les gradés (1971)
Frappez les gradés (Ataquen a los superiores) traslada la lógica participativa de sus juegos ópticos al terreno de la protesta política. La obra está compuesta por varias bolsas de boxeo intervenidas con rasgos de figuras de autoridad —policías, directores, periodistas, cargos altos— que el público puede golpear para canalizar la frustración hacia esos símbolos de poder.
Inserta en la serie Jeux‐enquêtes (Juegos‐encuesta) desarrollada desde fines de los sesenta, la pieza invitaba a los visitantes a elegir y confrontar a sus “enemigos” mediante una acción física. Obras afines como Choisissez vos ennemis (1970) fueron recuperadas en exposiciones como la de la Serpentine (2014). El dispositivo convierte al cuerpo del espectador en herramienta de catarsis política, haciendo del golpe un gesto simbólico de resistencia.
6. La tortura (1972)
La tortura fue creada por el Grupo Denuncia —integrado por Julio Le Parc, Alejandro Marcos, Gontran Guanaes Netto y José Gamarra— como respuesta a la práctica sistemática de tortura por parte de las dictaduras militares en América Latina. La serie está compuesta por siete cuadros en blanco, negro y grises que traducen abstractamente el horror de la violencia estatal, evitando la representación anecdótica y buscando una iconografía concentrada de lo intolerable.
El uso del blanco y negro alude también al lugar de la imagen en la era de la fotografía documental: las piezas evocan la visualidad de archivos pero mediada por la gramática de la abstracción, sin sensacionalismo. El Grupo Denuncia se formó en París entre artistas latinoamericanos exiliados que consideraban imposible mantener una neutralidad estética frente a la represión; las obras circularon en circuitos de militancia y se retomaron en retrospectivas como la muestra Regreso en Galleria Continua, La Habana (2023).
7. Ondes 110, n° 8 (1974)
La serie Ondes, iniciada a mediados de los setenta, retoma el motivo de la onda como matriz formal y mantiene un diálogo estrecho con las Modulaciones. Ondes 110, n° 8 es una pintura acrílica sobre tela que desarrolla patrones ondulantes con precisión: grandes ondas de color que se expanden y contraen siguiendo secuencias calculadas.
Trabajos de esta familia se exhibieron en galerías como Nara Roesler y Perrotin en São Paulo y París, donde fueron presentados junto a Modulaciones y Alchimies. En muestras de mayor escala, como la del Palais de Tokyo, estas pinturas se confrontaron con instalaciones lumínicas y relieves de los sesenta, subrayando la continuidad del interés de Le Parc por la inestabilidad perceptiva. Cada variación funciona como una partitura de cambios graduales que se perciben al recorrer la superficie con la mirada.
8. Modulación 48 (1976)
Modulación 48 forma parte de la serie Modulaciones, iniciada en 1974 y desarrollada a lo largo de varias décadas con cientos de cuadros que exploran variaciones sistemáticas de formas y colores. Estas obras se caracterizan por el uso de plantillas y aerógrafo y por transiciones sutiles de color y grises que generan ondas y volúmenes virtuales sobre el plano.
La exhibición de las Modulaciones en la galería Denise René de París y en la galería Rayuela de Madrid (1976) cambió la lectura crítica del trabajo de Le Parc al mostrar que su interés por el cinetismo también se expresaba en una pintura de extrema precisión. Obras como Modulación no 66 (1976), en la colección de la Fundación Banco Santander, exploran gamas de catorce colores y transiciones frías; Le Parc continuó la serie en las décadas siguientes, y piezas posteriores como Modulation 1160 (2004) fueron señaladas como hitos de la serie.
9. Esfera azul (2001/2015)
Esfera azul (Sphère bleue) es una de las obras más conocidas de la etapa reciente de Le Parc y un caso destacado de arte cinético convertido en referente urbano en Argentina. Compuesta por casi tres mil cuadrados de acrílico azul sujetos con tanza y ensamblados en forma de esfera, cuelga en el vestíbulo central del histórico edificio del Correo Central de Buenos Aires (Palacio Libertad). Con medidas aproximadas de 450 x 450 x 450 cm, la pieza oscila con el aire y refleja la luz de modo variable.
En 2015, con la apertura del espacio que entonces se llamó Centro Cultural Kirchner (CCK), Le Parc creó y donó esta versión a la colección del Patrimonio Cultural de la Nación. Existen otras versiones: una esfera roja (Sphère rouge, 2012) en el Centre culturel Julio Le Parc en Mendoza y una Sphère acier miroir hecha con 2.692 cuadrados de acero inoxidable en la Torre del Banco Galicia. Durante el homenaje nacional de 2019 la esfera fue un símbolo de su vigencia y atrajo a miles de visitantes durante los meses de la muestra.
10. Mobile Rombo Colón (2019)
Mobile Rombo Colón tiene un componente biográfico: en su juventud Le Parc trabajó como portero en el Teatro Colón mientras estudiaba, por lo que este móvil fue concebido como un regreso simbólico a ese lugar. Fue encargado por el teatro para el homenaje nacional de 2019 e instalado en el Centro de Experimentación del Teatro Colón (CETC).
Formado por más de tres mil piezas de acrílico translúcido fluorescente, el conjunto crea un gran volumen romboidal que brilla en la oscuridad. Los 28 espejos perimetrales multiplican sus imágenes, potenciando el efecto lumínico y generando un espacio inmersivo. La galería Nara Roesler ubica la obra dentro de la serie Experiencias móviles, en continuidad con los móviles transparentes y esféricos destinados a espacios públicos. En 2019 el Festival Le Parc en el Teatro Colón integró este móvil en un programa que incluyó mapping sobre el Obelisco y exposiciones en el CCK y el MNBA.
