El Mercado de Arte Contemporáneo Córdoba (MAC) cerró su edición renovada con la participación de más de 60 galerías y proyectos, marcando el fin del calendario de ferias del país.
Frente al surgimiento de nuevas ferias con identidad propia en otras provincias, el MAC requería una renovación para recuperar protagonismo; es, tras arteBA, una de las ferias con mayor trayectoria del país.
La reestructuración curatorial a cargo de Sofía Torres Kosiba y Manuel Coll aportó aire fresco tanto en la organización y la presentación del evento como en la apertura a propuestas que antes no conseguían ingresar.
Según cifras oficiales, el 48% de las galerías participó por primera vez. El mercado mostró actividad: se registraron 274 obras vendidas, un aumento del 38% respecto al año anterior, y hubo numerosas negociaciones que continuaron después del cierre.
El traslado al Centro de Convenciones, un espacio de más de 18.900 m2, permitió concentrar a todos los expositores en una sola planta y favorecer la circulación entre las secciones, denominadas “constelaciones”.
Históricamente la feria había tenido sede en la plaza San Martín y edificios del centro histórico; tras una cancelación en 2022 se mudó temporalmente cerca del estadio Kempes y el Museo Chateau-Seguí. La ubicación de 2025, cerca de la anterior, ofreció pasillos amplios y buena superficie de muro para los expositores, mejorando la experiencia de visita.
Al combinar galerías consolidadas a nivel nacional e internacional con proyectos emergentes, el MAC ofreció una plataforma inclusiva que integró voces históricas y nuevas, ampliando el diálogo y la diversidad. También se notó una mayor presencia de espacios provenientes de distintas localidades de la provincia, no solo de la capital.
Torres Kosiba señaló a Infobae Cultura que “el 90% de los artistas no tienen galería que los represente”, por lo que, siendo el evento organizado principalmente desde el Estado —con la Secretaría de Fortalecimiento Vecinal, Cultura y Deportes de la Municipalidad de Córdoba; la Agencia Córdoba Cultura; Fundación Pro Arte Córdoba; la Universidad Provincial y la Nacional; y Faro (Asociación Civil de Galerías de Córdoba)—, era crucial pensar además en estructuras que permitan el desarrollo a largo plazo de los artistas emergentes.
La posibilidad de mostrarse y de acceder a experiencias que favorezcan la profesionalización —algo indispensable en el mercado— fue un aspecto sostenido por esta edición del MAC.
Al ingresar al Centro, los visitantes se encontraban con la Constelación Orbital, donde se colgaban grandes piezas textiles, como las de Ral Haro, y donde se desarrollaron charlas abiertas al público.
En el Primer Encuentro de Ferias y Mercados de Arte Contemporáneo de Argentina, representantes de ferias y asociaciones galerísticas del país compartieron semejanzas y desafíos y debatieron estrategias para consolidar el mercado nacional.
El MAC ofreció propuestas diversas: además de exhibiciones y conversaciones con artistas, hubo actividades para niños, videoinstalaciones y proyectos tecnológicos, una sección editorial con libros y la feria Asteroide de arte gráfico, y performances durante los cuatro días.
Entre las acciones performáticas destacaron “Sanatorio de árboles” de Yasmín Antún —con una sala que mostraba árboles nativos talados e imágenes tipo resonancia magnética y recorridos en silla de ruedas para escuchar la “latencia” de vida— y “La tortu performer” de Daiana Rose, una invitación a reducir el ritmo y atender el instante.
En “¿Alguien vive?” Soledad Sánchez Goldar produjo golpeteos codificados en morse como “mensaje hacia los que sobreviven el genocidio”, en diálogo con la muestra ¿Dónde caen los olivos? en el Museo Caraffa, que propone reflexionar sobre el duelo, la memoria y la resistencia frente a la violencia planificada de la guerra. Una intervención prevista de Gustavo Mauro, la “Posta de hidratación para la carrera del artista”, no pudo realizarse por una confusión con seguridad.
El MAC extendió su actividad fuera del recinto mediante activaciones en galerías y museos de la provincia, buscando generar diálogos y traspasar sus propios límites, una práctica cada vez más frecuente en grandes ferias.
Uno de los momentos más emotivos fue el homenaje a María Rocha, fallecida en septiembre y responsable de la galería Mantera (La Banda, Santiago del Estero), donde se presentó el altar colectivo “Hay amores que son para siempre”.
Participantes como Nani Guantay destacaron la importancia de mantener vivo el proyecto en memoria de Rocha y reconocieron su labor por acercar artistas y espacios que, de otro modo, tendrían menos acceso a estos circuitos.
Guantay subrayó que la presencia de artistas de provincias como Neuquén, Río Negro, Tucumán y Santa Fe evidencia la dificultad de acceder a circuitos fuera de CABA, describiendo ese acceso como “una tarea ardua”.
Rocha tuvo un rol destacado en el MAC: comenzó como artista con stand, luego su galería recibió un premio y este año había sido convocada como jurado, lo que hace de su recuerdo un reconocimiento a su trayectoria.
Pao Lunch explicó a Infobae Cultura que la galería Mantera funcionaba como una colectividad más que como un proyecto individual: “Nunca hubo una organización jerárquica; María tejía lazos con el circuito hegemónico mientras nosotros sosteníamos un modo de trabajo colectivo”.
Lunch resaltó el carácter militante y plural del proyecto, que acompaña luchas sociales y trabaja desde una autoría compleja, construyendo un territorio compartido mediante las prácticas artísticas.
La galería incorporaba cuestiones sociales y decoloniales al campo del arte, abogando por reflexiones críticas sobre el espacio expositivo tradicional y trayendo economías y prácticas populares al ámbito ferial.
Zona Fronteriza agrupó a tres iniciativas misioneras —Museo de la Triple Frontera, Relatos Visuales y Rizomática— para explorar la poética de la frontera y las estéticas vinculadas a identidades guaraníes, paraguayas y afro, con obras de artistas como Santiago Krauze, Claudia Carabín, Zygmunt Kowalski, Horacio Flores y Sofía Arancibia, que emplearon materiales orgánicos y procesos experimentales.
Desde Buenos Aires debutó Palpar con un pop up de tres artistas de su taller, montando un paisaje mutable que invitaba a la contemplación y recreaba un territorio ficticio pero reconocible en situaciones cotidianas.
Isabela Dias da Silva intervino un muro con una montaña en pastel rojizo y presentó dibujos de la serie Raíces; Clara Manetti mostró esculturas metálicas pintadas que sugerían movimiento y sonoridad; y Olivia Azpiazu presentó esculturas que remiten a antenas y objetos urbanos, combinando lo figurativo con materiales cotidianos.
En la galería cordobesa Mina, Romina Calla propuso obras en formato muy reducido en su segunda participación; la propuesta funcionó estéticamente como un gabinete de curiosidades y también con fines comerciales, facilitando accesos de compra para nuevos coleccionistas.
Calla señaló que, al ser la última feria del año, la apuesta por piezas pequeñas buscaba generar ventas y acercar obra a público que suele decir “me encanta, pero no puedo comprar”, favoreciendo la formación de nuevos coleccionistas.
En Argüello y Bouchet, desde Agua de Oro, Mariana Guagliano presentó bordados realizados con la técnica Lunéville centrados en mujeres históricas, una técnica que estudió en Francia y que vinculó con relatos personales y familiares, en los que la dualidad entre control y azar es parte del proceso creativo.
En cuanto a reapropiaciones de la historia, se destacaron Ale Gomara (Gabelich Contemporáneo) y Alexandro Poggi (Andamio Studio): el primero presentó retratos de museos reinterpretados bajo influencias del cine corporal de David Cronenberg, y el segundo trabajó la memoria local, recuperando figuras como Arbolito y relatos heroicos desde una mirada ilustrativa e iconográfica.
Gomara explicó su interés por la réplica y la fusión con lo ajeno, imaginando formas transformadas en una estética cercana al body horror; Poggi, por su parte, remarcó su trabajo con la memoria del pueblo y el rescate de relatos no oficiales mediante técnicas y soportes poco convencionales.
Entre las distinciones, el Premio Adquisición Ciudad de Córdoba fue otorgado a Verónica Moreira por “Cerdo en tajadas” y “Torta ilusión”, que ingresarán al acervo del Museo Genaro Pérez. A nivel provincial, la Agencia Córdoba Cultura adquirió obras de Sergio Scurti y Martina Zorzón para enriquecer la colección patrimonial.
El Premio In Situ, creado por Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez, reconoció a los proyectos mina (representado por Romina Calla Muguiro) y EPA – Espacio de Prácticas Artísticas (Cecilia Cordi y Guillermo Daghero). El Museo Franklin Rawson incorporó “Llegar con naranjas en la mano” de Lorenzo Baltazar González a su colección permanente.
El sector privado participó activamente mediante los Mecenas Mercuriales: Paclín otorgó su premio a María Chávez por “Ausente” (Galería Wonda); Econovo distinguió “Huecos” de Noelia Farías (Xul Gallery); la Cámara Metalúrgica de Córdoba reconoció a Julieta Marasas por “Fuego II y Red Nébula” (Galería Nilo – Galpón de Arte); y Nueva Trama sumó al Museo Metropolitano de Arte Urbano una obra de la serie “Color Piel” de Juan Martín Juares (Galería Mini Contemporáneo).
En formación, el Premio Púrpura Proyecto concedió una beca completa para el programa anual “El Oráculo” a Guiomar Barbeito (Galería Satélite). El Premio Arte21 – Colección Universidad Siglo 21 adquirió “Arte Generativo en video” de Andrés Senn (Galería La Cúpula).
El Premio Brandon, votado por galerías, espacios y artistas participantes, reconoció a Galería La Dealer con el primer premio; el segundo fue para Augusto Quinteros (Galería CO ART) y el tercero para Melina Koch (Galería ESAA).
